End of Art Theory

THE END OF ART THEORY

NABILA WARDA SAFITRI

                                                                                                           

Apakah sebenarnya benda yang kita sebut seni itu ? , para Filsuf sepanjang sejarah telah mencoba menjawab pertanyaan itu dan membuat banyak teori muncul.

Seperti yang dikatakan Morris Weitz’s Artikel nya “ the role of theory in aesthetic” disini Weitz’s menyatakan 2 argument : yang pertama adalah Generalization argument  disini Weitch membedakan antara konsep umum dan berbagai subconcept dari seni semacam tragedy, novel, lukisan , dll. Dan yang kedua tentang Classification argument yang dijelaskan nya adalah Inti dari kesimpulan weitz’s bahwa sesuatu tidak perlu menjadi artefak melainkan di golongkan sebagai karya seni.

Adapun pendapat lain dari Richard Salvani diman ia tidak setuju dengan pendapat Morris Weitz’s yang dimana Paling sedikit ada 3 arti yang terlihat dari work of art yang pertama yaitu penggolongan seni , yang kedua seni itu harus di karang dari yang asli dan seni bersifat evaluative.

Dengan muncul nya banyak teori tentunya membuat suatu perbedaan pendapat definisi seni pada tiap individu apa yang dimaksud dengan seni . Saya  percaya kita semua  tahu akan seni, untuk mendefinisikan apa yang dibutuhkan seni tentu agar bisa dianggap seni, kita bisa membuat saran yang masuk akal, tapi tidak ada yang cukup untuk dunia kontemporer ini, di mana nampaknya ada yang bisa dipandang sebagai seni.

Saat melihat konsep seni melalui sejarah, jelas bahwa hal itu terus berubah dan sepertinya sangat sulit untuk menuliskan kata-kata yang tepat tentang seni.  Untuk memahami seni saat ini, penting untuk memahami sejarah dan transformasi yang telah dialami seni selama ini.

Selama ada manusia juga  sudah ada kesenian. Beberapa bentuk seni representasional paling awal yang ditemukan adalah lukisan di dinding gua di Prancis (Chauvet-Pont-d'Arc)  sekitar  30.000 tahun yang lalu (Khan Academy, 2014). Lukisan-lukisan ini menggambarkan terutama hewan tetapi juga beberapa manusia. Mereka adalah campuran gambar realistis dan tidak realistis. Sulit untuk mengetahui tujuan lukisan ini, namun di saat bahasa tulisan terstruktur seperti yang kita kenal sekarang tidak ada, dapat diasumsikan bahwa lukisan itu adalah cara menceritakan semotif yang jelas. Yang bermula dengan adanya lukisan lukisan gua tersebut sejarah seni terus berkembang dimana adapun era Avant - garde , Avant garde terjadi pada abad ke-19 di Perancis sosialis (Edwards & Wood, 2004: 2). Istilah Avant-garde telah dianggap memiliki dua tujuan berbeda dalam sejarah seni. Salah satu tujuannya telah dikorelasikan dengan metode untuk menggambarkan suatu pergerakan, yang mengumpulkan urutan '-isms', dari era inilah terjadi perkembangan seni rupa modern yang berangkat dari ism – ism tersebut dimulai oleh pelukis seperti van gogh , paul cezanne , paul gaugin yang melihat bahwa kebenaran alam tidak sama dengan kebenaran seni. Paul cezanne menekankan pada bentuk , segala bentuk baginya  , karya nya yang terkenal yaitu mont sainte-victorie , the great bather. Vincent van gogh karya van gogh ialah pencerminan emosinya. Paul gaugin pelukis yang menggunakan warna cemerang pada setiap karyanya seperti karyanya yg terkenal yesus disalib dan ia berkarya dengan symbolis dimana karya karya simbolis biasa di sebut synthetis kepeloporan tiga seniman tersebut berpengaruh pada paham dan gaya selanjutnya kemudian fauvisme  , yg merupakan aliran gaya seni yang berkembang di prancis  dengan landasan kekaryaan berpegang pada ekspresionis van gogh, dengan peningkatan gaya paul gaugin yg dekoratif dan terpengaruh oleh cezzane pula kemudian berkembang expressionis dimana pada dasarnya adalah pernyataan dari bentuk ungkapan yang anti klasik dan tidak ada hubungan nya dengan seni timur yang misterius maupun odilon redon yg merupakan pelukis simbolik. Berkembangnya Kubisme berawal dari paul cezzane yg mengubah alam menjadi bentuk yg baru  Dan itu menjadi sumber dari kubisme yg merubah bentuknya menjadi geometris seperti yg terjadi pada seniman kubisme yaitu pablo picasso yg terinspirasi kebentukannya oleh negro afrika sclupture dan patung antik iberia di louvre dan ini tidak ada keterkaitannya dengan karya neo impressionis george seurat dan tidk terkait pula dengan rousseau yg merupakan penulis di era romantik. Ada juga Purisme yang merupakan reaksi pemulihan atas kekacauan akibat kubisme, purisme gerakan yang ambisius yang berumur pendek hanya berhasil di bidang arsitektur sedangkan karya seni yg mencapai paris , namun pengaruh terbesar setelah perang adalah datang dari De Stijl , kontruktivisme dan surrealisme dan mesin adalah sesuatu yg penting bagi pengikut purisme (machine esthethic) . Adapun orphisme ialah gaya lukis cenderung abstrak dapat dikatakan juga sebagai murni abstrak  yg berusaha memberi kaegori variasi kecenderungan dalam kubisme yg disebut orphic cubism . Aliran futurisme tergolong aliran seni modern yg cenderung langka yg bermula di italia yg kebanyakan senimannya belajar dari pengaruh george seurat dan juga terpengaruh kubisme juga. Dadaisme memiliki ciri khas penggunaan teknik dan ekspresi yg nonkonvesional sehinggga tampak aneh , karya dadais memang sinis seperti monalisa yg dibubuhi kumis. Surrealisme , surrealisme mencoba mengelabuhi realitas dan kekaryaan nya sejalan dengan dadais yaitu antara tahun 1911-1920 seniman yg berjasa mengembangkannya ialah henri roessau . kemudian prinsip plastis dan filosofis dari pergerakan de stijl sesungguhnya bergerak sendiri bentuk karya piet mondrian merupakan komposisi pertama post kubis dan karya de stijl menerapkan garis vertikal dan horizontal . dalam seni rupa kebentukan aliran abstrak kontruktivisme muncul didasari oleh keadaan yg membelenggu kebebasan seniman sebaai penghinaan rodchenko yg balik menyerang pada tahun yg sama dengan hitam di atasnya hitam yg menjadi simbol matinya aliran seni terutama suprematis  dan yg selanjutnya yang mendasari non geometrical abstrak dan geometrical abstrak.begitulah sekilas perkembangan era avant garde .

Tujuan lain dari gerakan ini bukan untuk menekankan kemandirian seni, tapi malah menggunakan semua sumber dayanya untuk mengubah dunia modern (Edwards & Wood, 2004: 2).

Clement Greenberg memperkenalkan gagasan Avant-garde pada tahun 1939, dalam esainya Avant-garde dan Kitsch, ketika dia mengklaim bahwa seni harus diciptakan demi "kesenian" dan seniman harus berusaha untuk lebih mandiri dari pengaruh agama atau politik (Edwards & Kayu, 2004: 3).

Dengan adanya hal sedemikian rupa disini seni visual telah rusak dengan masa lalu dan telah berkembang dari memiliki fungsi informatika dan menjadi representasi 'alam' di masa di mana orang yang terkena dampak dari apa yang menurut seniman penting dan tidak harus apa yang orang Lain ingin. Seniman kemudian bereksperimen dengan batas-batas seni.

Dan dengan tanpa adanya batas – batas seni yang berkembang seiring dengan waktu muculah sebuah  teori yang menyangku berakhirnya sebuah seni disini Arthur Danto (1924-2013) sebagai "salah satu kritikus seni paling terkenal di era Postmodern."memunculkan  essai nya , "The End of Art",yang dimana pada era sekarang  terus dikutip lebih banyak daripada yang dipahami.

Sebelumnya Danto menggandrungi seni dan filsafat. Dia awalnya memulai karir sebagai seniman (sebagian besar karyanya sekarang merupakan bagian dari koleksi seni Wayne State University) sebelum melanjutkan karir akademis dalam bidang filsafat. Pada tahun 1951, Danto mulai mengajar di Universitas Columbia, mendapatkan gelar doktornya tahun depan. Dia adalah seorang kritikus seni untuk Bangsa antara 1984-2009 dan merupakan kontributor reguler untuk publikasi seperti Artforum.

Pada tahun 1964, Danto mengunjungi sebuah pameran kotak Brillo Andy Warhol di Stable Gallery, New York. Pertunjukan itu mengubah hidupnya.Bukan topik Warhol yang mengejutkan filsuf, tapi bentuknya. Sedangkan lukisan Waroke tentang botol kokas dan kaleng sup adalah representasi visual, patung kotak Brillo artis - spoiler kayu lapis silkscreened dari kotak Brillo sebenarnya - hampir tidak dapat dibedakan dari aslinya. Jika seseorang menempatkan salah satu patung Warhol di samping kotak Brillo yang sebenarnya, siapa yang bisa membedakannya? Apa yang membuat salah satu kotak itu sebuah karya seni dan benda biasa lainnya? Danto menggariskan kesimpulannya dalam sebuah esai berjudul "The Artworld" (1964) :

Pada dasarnya, kotak Brillo Warhol adalah seni karena karya tersebut memiliki khalayak yang di akui secara teori . Dunia seni (terdiri dari kritikus, kurator, kolektor, dealer, dan lain-lain) memainkan peran di mana teori dipeluk atau dilecehkan. Seperti yang Danto duga, "Melihat sesuatu sebagai seni membutuhkan sesuatu yang tidak dapat dilihat oleh mata - sebuah atmosfer teori artistik, pengetahuan tentang sejarah seni: sebuah dunia seni." Gagasan ini, yang kemudian diperluas oleh filsuf George Dickie, juga populer. Dikenal sebagai teori kelembagaan seni (Institutional Art Theory). Pertanyaan yang berlama-lama di latar belakang adalah bagaimana dan mengapa , apa yang disebut teori ini berubah dan berkembang dari waktu ke waktu.

Danto terpesona oleh perubahan sejarah. Apa yang membuat kotak Brillo Warhol bisa diterima sebagai seni pada tahun 1964? Pelukis Neo-klasik apa yang Jacques-Louis David pikirkan tentang karya Warhol? Bagaimana Leonardo da Vinci, Phidias, atau manusia gua bereaksi? Apakah kotak Brillo mewakili semacam kemajuan historis seni? Apakah sejarah seni mengarah ke arah yang jelas? Penyelidikan Danto terhadap sejarah, kemajuan, dan teori seni, digabungkan menjadi esai paling terkenalnya, "The End of Art."

Cerita yang Danto katakan di "The End of Art" yaitu Menurut Danto, komitmen untuk mimesis mulai goyah selama abad kesembilan belas akibat kebangkitan fotografi dan film. Teknologi perseptual baru ini membawa seniman untuk meninggalkan peniruan alam, dan sebagai hasilnya, seniman abad ke-20 mulai mengeksplorasi pertanyaan tentang identitas diri sendiri.

Apa itu seni Apa yang harus dilakukan? Bagaimana seharusnya seni didefinisikan? Dalam mengajukan pertanyaan seperti itu, seni menjadi sadar diri. Pergerakan seperti Kubisme mempertanyakan proses representasi visual, dan Marcel Duchamp memamerkan urinoir sebagai karya seni. Abad ke-20 mengawasi suksesi yang cepat dari berbagai gerakan dan 'isme', semua dengan gagasan mereka tentang seni apa yang bisa terjadi. "All there is at the end," tulis Danto, " adalah teori, seni akhirnya menjadi menguap dalam pemikiran murni yang memukau tentang dirinya sendiri, dan tetap, sama seperti objek kesadaran teoritisnya sendiri."

Warhol's Brillo kotak dan Duchamp's readymades menunjukkan kepada Danto bahwa seni tidak memiliki arah yang jelas untuk kemajuan. Narasi besar kemajuan - dari satu gerakan yang bereaksi terhadap yang lain - telah berakhir. Seni telah mencapai keadaan pasca sejarah. Yang tersisa hanyalah teori murn i:

Tentu saja, akan ada pembuatan seni. Tapi para pembuat seni, yang hidup dalam apa yang saya suka sebut sebagai periode sejarah pasca-sejarah, akan menghasilkan karya-karya nyata yang tidak memiliki kepentingan sejarah atau makna yang kita miliki untuk waktu yang lama datang untuk mengharapkan Cerita berakhir , Tapi bukan karakter, yang hidup terus, bahagia selamanya setelah melakukan apapun yang mereka lakukan dalam ketidaktahuan post-narrational mereka , Era pluralisme ada pada kita ketika satu arah sama baiknya dengan yang lain. Mudah untuk melihat bagaimana Danto mulai mendekati kesimpulan ini selama tahun 1960an.

Pergerakan seperti seni Pop dan Fluxus secara aktif meruntuhkan penghalang antara seni dan seni sehari-hari. Filosofi relativis seperti poststrukturalisme dan eksistensialisme terus berjalan, mengkritisi narasi dan kepastian yang pernah dimiliki oleh akademisi Barat. Setelah membuka definisi tentang apa itu seni telah meruntuhkan keyakinannya sendiri akan perkembangan linier. Lagi pula, gerakan atau 'isme' apa yang bisa secara logis mengikuti dematerialisasi benda seni (konseptualisme) atau skeptismeisme dan teori ideologi (postmodernisme) yang meresap?

Danto percaya bahwa gerakan selanjutnya tidak penting karena mereka tidak akan lagi berkontribusi dalam mengejar definisi diri seni.

"Kami memasuki periode usaha artistik yang lebih stabil dan lebih membahagiakan dimana kebutuhan dasar yang senantiasa responsif dapat dipenuhi lagi," tulisnya. Meski Danto mengklaim akhir seni itu sendiri bukanlah hal yang buruk, namun ia tetap kemudian meratapi kematiannya. Dan Danto mengecam keadaan dunia seni tanpa disadari. "Tidak ada gunanya membicarakannya," tulis filsuf itu.

Sementara merancang "The End of Art," Danto "tercengang" untuk beralih ke salah satu sumber paling tidak disengaja, filosofi Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831).

Filsafat Hegel tidak populer selama tahun 60an, namun pemahaman teleologisnya tentang sejarah berfungsi sebagai template yang berguna untuk kesimpulan Danto. Hegel memahami kemajuan sebagai dialektika menyeluruh - sebuah proses realisasi diri dan pemahaman yang berpuncak pada pengetahuan murni. Keadaan ini pada akhirnya dicapai melalui filsafat, meski pada awalnya didahului oleh interogasi ke kualitas agama dan seni. Seperti Danto dirangkum dalam esai kemudian berjudul "The Disenfranchisement of Art" (1984):

Ketika seni menginternalisasi sejarahnya sendiri, ketika hal itu menjadi sadar akan sejarahnya seperti yang terjadi pada zaman kita, sehingga kesadaran sejarahnya membentuk sebagian dari sifatnya, mungkin tidak dapat dihindarkan bahwa hal itu seharusnya berubah menjadi filsafat pada terakhir. Dan ketika melakukannya, tentu saja, dalam arti penting, seni akan segera berakhir.

Setelah tahun 2000, tidak ada gerakan atau -isme, hanya seniman individual. Gerakan yang terdaftar menjelang akhir abad ini sama sekali bukan gerakan. Istilah "YBA" (young british artist) adalah tangkapan yang berguna untuk semua kelompok seniman yang beragam, beberapa di antaranya kebetulan pergi ke sekolah yang sama (Goldsmiths). Demikian juga, "pemasangan" bukanlah sebuah gerakan melainkan sarana penyajian kesenian untuk memastikan bahwa kita hidup dalam zaman yang tidak historis pasca sejarah.

Meski banyak dibaca, teori Danto tidak sepenuhnya dicintai oleh industri seni. Seniman tidak lantas ingin mendengar bahwa pekerjaan mereka tidak memiliki potensi perkembangan. Karya Danto juga menghadirkan tantangan bagi pasar seni yang mengandalkan pentingnya sejarah sebagai titik penjualan yang unik. Dia memperkirakan bahwa permintaan di pasar akan memerlukan "ilusi kebaruan yang tak berujung," yang kemudian mengutip Neo-Ekspresionisme 1980-an sebagai contoh kebutuhan industri untuk terus mendaur ulang dan mengemas kembali bentuk dan gagasan estetika sebelumnya.

Kritikus Danto biasanya menantang kepercayaan filsuf terhadap model sejarah seni tradisional. Dalam Danto dan Kritiknya (yang pertama kali diterbitkan pada tahun 1993), Robert C. Solomon dan Kathleen M. Higgins membahas "kekeliruan sejarah linier," yaitu bahwa narasi sejarah seni pra-dominan kita sebagian besar merupakan produk dari menceritakan kembali mereka.

Jika seseorang menolak perkembangan, narasi seni Barat yang Danto gambarkan di "The End of Art", maka struktur yang dibutuhkan untuk pemahaman Hegel oleh Danto mengenai seni runtuh. Penting untuk dipahami bahwa sejarah seni sebagian besar dibangun berdasarkan bias dan opini subjektif orang lain.

Sebagian besar ilmuwan abad pertengahan kontemporer menolak istilah "Abad Kegelapan" misalnya, karena secara implisit menghakimi dan mengabaikan fakta bahwa seni Kristen awal memiliki urutan yang sama sekali berbeda dari prioritas estetika. Sejarah seni menjadi jauh lebih bernuansa dan kompleks saat dipelajari dalam mikrokosmos. Ketika kita mempertimbangkan kekayaan metodologi yang tersedia bagi sejarawan seni (ikonografi, semiotika, psikoanalisis, dan sebagainya), kesimpulan Danto terlihat semakin sempit dan reduktif.

Danto juga dengan mudah mengecualikan karya yang menantang tesis sejarah seninya, yaitu seni non-Barat. Bagaimana pembuat cetakan Jepang - yang perspektif dan prioritas mimetiknya berbeda secara radikal dari standar Barat - sesuai dengan narasi sejarah seni Danto? Danto memang menyebut cetakan Jepang di "The End of Art", walaupun pertanyaan tentang bagaimana dampaknya terhadap tafsir perkembangan sejarah seni benar-benar terhambat. "Kita harus memutuskan apakah [pembuat cetak Jepang] memiliki budaya pictografi yang berbeda atau hanya terbelakang oleh kelambatan teknologi dalam mencapai soliditas," tulis Danto.

Terlepas dari kritik ini, pendukung Danto berpendapat bahwa teorinya dibenarkan oleh kurangnya arah di dunia seni. Dapat dikatakan bahwa kesimpulan Danto terus berlanjut, bahkan setelah seseorang membagi-bagikan kerangka Hegelian-nya.

           

Sebagai sesuatu yang pada akhirnya berhubungan dengan kreativitas dan rasa abstrak, dan tampaknya membutuhkan makna tambahan di luar penampilan fisiknya saja, tidak mungkin menguncinya menjadi deskripsi yang solid dan statis. Ketika kita mempertimbangkan berbagai interpretasi atau perkembangan konsep seni sepanjang sejarahnya, dan mendapatkan perspektif kritis tambahan untuk mempelajari pendekatan filosofis, kita mulai melihat bahwa sulit untuk diumumkan, 'seni adalah ini'.
Kita bisa mengatakan 'seni adalah ini' pada waktu yang tepat dalam sejarah, atau dalam keadaan lain, tapi kategorisasi seperti ini pada akhirnya tidak menahan air cukup lama untuk dihitung sebagai sebuah konstanta, sebuah undang-undang atau fakta.
Meskipun kita tidak bisa mengatakan bahwa seni itu adalah X, Y atau Z, kita bisa menjanjikan seni itu paling tidak 'adalah'. Ini bisa kita setujui, bukan alasan yang paling tidak berarti karena kita sudah melakukannya.     

Bisakah Danto, satu orang di antara miliaran orang lain, lalu benar-benar membuat pernyataan besar seperti itu? Bagaimanapun, ini adalah masalah pendapat di atas segalanya. Meskipun Danto mengajukan klaimnya dengan kefasihan dan keyakinan, dan menawarkan beberapa argumen untuk mendukung pemikirannya, satu orang sama sekali tidak memiliki cukup tenaga kuda di belakang mereka, karena klaim seperti ini tiba-tiba menjadi kenyataan.           

Sampai pandangannya menarik perhatian mayoritas yang tak terbantahkan, atau Danto entah bagaimana memperoleh otoritas tertinggi dalam menentukan perkembangan seni, tidak banyak yang akan keluar dari gagasannya. Seni yang telah meninggal dengan Andy Warhol tidak akan tetap menjadi opini menarik, meskipun dengan konotasi yang menarik dan kata-kata yang mudah diingat karena dalam hal sejarah seni terus berkembang “the end of art” lah yang merupakan diktum umum yang menandai perubahan mendasar itu. Tentu tidak secara harfiah seni itu mati atau berhenti justru sebaliknya diktum itu justru memaksa kita untuk melihat kembali peran seni dalam kehidupan. “the end of art” adalah isyarat perubahan paradigmatik yang serius.     

            Konsekuensi lebih jauh dari situasi itu adalah bahwa kini tak ada lagi paradigmatik terkuat bagi kritik maupun praktik seni yang tentunya membuka jalan ke arah keberagaman artistik dan disaat yang sama pula juga mengarah kepada ketidakpedulian atas kualitas melainkan karya seni sekedar cara berkomunikasi , sudut pandang pribadi yang unik atas suatu objek seolah sudah cukup untuk objek itu di jadikan suatu karya seni.

            Demikianlah seni kontemporer adalah kelanjutan dari avant gardisme yang menekankan kebaharuan , kekinian sesaat, diskontiunitas. Seni merayakan apa yang kontekstual , kehidupan sehari – hari adalah medan dan konteks baru para seniman sebab seringkali ia dilihat sebagai sumber potensi untuk mengubah tatanan nilai – nilai. Karena setelah kematian seni merupakan situasi penuh kreativitas yang lebih luas sehingga pada era kontemporer ini praktik seni rupa kini lebih dalam konteks global yang di tandai dengan interaksi tanpa batas dan refleksi kritis total dan mendasar atas hampir segala hal. Segala hal yang menklaim kebenaran , pengetahuan , moralitas , ataupun nilai.

            Berikut ini beberapa tendensi dalam dunia seni rupa yang bermunculan dari kompleksitas situasi global itu yang sekaligus menjadi tantangan besar bagi proses penciptaan kreatif sebagai berikut ini yang pertama dalam menentukan suatu bobot karya di satu pihak kurator tetap memiliki otoritas untuk menentukan kualitas sebuah karya, di pihak lain pasar pun sangat besar pengaruhnya yang seringkali ukurannya adalah hanya ukuran kuantitatif uangnya seperti halnya ikan hiu yang di awetkan karya damien hirst yang sebetulnya tidak jelas bobot dan makna artistiknya tapi karena seorang pengusaha berani membelinya dengan harga mahal maka otomatis ia di anggap master piece seperti halnya juga pink panther yang seperti boneka yang di jual di pinggir jalan tapi karena kolektor membelinya dengan harga mahal seolah itu menjadi karya besar dalam kenyataannya kolektor atau galery juga memiliki pengaruh yang besar untuk membranding seorang seniman dalam kerangka pasar  karya seni kini memang merupakan komoditi fantastis yang tidak jelas kriteria pemboobotannya.

           

Dengan karya seni yang  dianggap besar  kini tak menuntut kinerja ke kriyaan karena bentuknya bisa berupa apapun kalau pun menuntuk kekriyaan itu kini umumnya menuntut di

kerjakan oleh para artisan alias tukang – tukang. Disini seniman tinggal mengontrol mereka  atau pun mencari ide ide baru saja. Maka yang terpenting dan sentral dalam seni rupa kontemporer kini adalah ide, ide yang baru yang tidak pernah disadari oleh orang- orang oleh karena itu refleksi kritis yang mendalan dan brilliant kini adalah syarat mutlak untuk menjadi seniman besar bukan hanya sekedar keterampilan teknis saja karena keterampilan teknis bisa saja di kerjakan para artisan.     

           

            Bagian terpenting dari ide tersebut adalah sebuah inspirasi. Dunia global yang serba sama dan transparant serng kali membutuhkan persepsi unik , mengejutkan dan tak terduga. Kita memiliki banyak inspirasi bisa dengan menggali inspirasi dari tradisi seperti yang sering dilakukan seniman kini pada umumnya selain itu untuk menguatkan efek dari ide dan konvigurasi visualnya nampak nya kini di perlukan kolaborasi interdisipin.

Seni rupa perlu bekerjasama dengan bidang – bidang lain seperti film , komputer  arsitektur , teather , sains dan lain sebagainya misalnya yang dilakukan oleh para pekerja batik dimana mereka tidak hanya memainkan motif batik pada kain saja melainkan juga pada kayu , karpet dan lainnya yang kemungkinannya masih terbuka secara lebar karena seni rupa kontemporer ini sangat luas yang dimana tidak terikat aturan maupun pakem seni rupa zaman dahulu , tidak ada sekat antar berbagai disiplin seni dan yang berkembang sesuai zaman semua ini tidaklah lepas dari pengaruh karya warhol pada end of art tadi.

             Meninjau seni rupa kontemporer di indonesia juga tidak jauh beda dengan seni rupa kontemporer barat karena pengaruh end of art pun juga masuk pada seni rupa indonesia dimana seni rupa kontemporer indonesia juga menerapkan seni konseptual yang tidak memperhatikan bobot penilaian karya. Di indonesia sendiri pengaruh global pun tidak bisa di hindari karena di indonesia sendiri tidak di batasi dalam menerima informasi bersifat global.

           

Di dalam sejarah seni rupa kontemporer indonesia sendiri berawal dari praktik para anggota Gerakan Seni Rupa Baru dimana karya yang mereka tampilkan cukup beragam dan mulai menampilkan karya instalasi  dan karya – karya drawing yang pada saat itu masih belum lazim dan yang mereka dambakan “kemungkinan berkarya” dalam arti keragaman gaya dalam karya seni rupa indonesia , mebuat seni rupa indonesia dengan kemungkinan – kemungkinan baru , mengakui semua kemungkinan tanpa batasan , sebagai cerminan sikap mencari.

            Keberagaman karya seni rupa Indonesia sejak tahun 1990-an bisa dilihat dari beberapa aspek yaitu, media, teknik, gagasan, dan perupa. Aspek media dibagi menjadi dua yaitu media konvensional seperti lukis, patung, dan grafis. Media baru meliputi, instalasi, objek, performance art, fotografi, video, sound art, dan sebagainya. Teknik untuk karya dua dimensi meliputi, sketsa, arsir, sapuan, kolase/temple, cetak fotografi, dan sebagainya. Karya tiga dimensi dapat dikerjakan dengan teknik cor, pahat, las, sambung, jahit, dan sebagainya. Gagasan yang diangkat oleh para perupa kontemporer sangat beragam meliputi, sosial politik, ekonomi, budaya, urban, pribadi, domestik , agama, hubungan internasional, dan sebagainya.

            Seni rupa kontemporer yang memberi kebebasan tanpa batas terhadap penciptaan karya seni rupa menimbulkan pertanyaan terutama yang berhubungan dengan masalah kreativitas.  Konsep kreativitas dalam penciptaan karya seni rupa modernis selalu terkait dengan inovasi dan keaslian. Menurut Stenberg (2002:3), kreativitas adalah kemampuan untuk menghasilkan karya yang baru (orisinal) dan yang sesuai (berguna). Harris (2006:73-74), menyatakan bahwa kreativitas artistik adalah, kualitas yang inovatif, inspiratif, dan visioner. Orisinalitas yang dituntut oleh seni rupa modernis sudah tidak sesuai dengan praktik seni rupa kontemporer yang tidak mempedulikan lagi aspek itu. Fenomena meremehkan orisinalitas sudah cukup lama terjadi pada seni rupa modern seperti terlihat pada karya-karya Pop dari Andy Warhol. Sebenarnya apa bila kita tinjau ulang End Of Art ini sangat berpengaruh dengan era kontemporer saat ini.